鬼怪屋

感觉这个片儿真的非常恐怖!喜欢看恐怖片的真的很推荐! 很良心的一部片! 感觉里面的鬼怪呢也是非常的惨人恐怖! 感觉这是日本出过最好看的一部鬼片了!没有什么过于恶心的镜头，只是很惊悚! 承受能力差的千万别看! 喜欢看鬼片的，真的很推荐，很推荐! 感觉真的是很不错的一部片! 挺可怕的需要几个人一块看 千万别在晚上看

《鬼怪屋》是一部Cult片，一部超现实主义电影。与其它超现实主义艺术形式一样，超现实主义电影也追求梦境一般荒诞怪异的表达效果。

日本导演擅长造梦，比如今敏，比如宫崎骏。而在营造梦境氛围这一点上，《鬼怪屋》的导演大林宣彦无疑做得很好。无论从视觉还是听觉上，这部电影都让人相信这就是一场夏日的迷梦。

视觉上，散发着腐朽陈旧气息的老宅与洋溢着青春活力的女孩胴体，营造出一种不和谐的美感。咬人的西瓜，吃人的钢琴，跳舞的的骷髅，眼睛发光的猫，......这些色彩斑斓，荒唐又暧昧的意象通过波普艺术的表现手法，剪辑拼贴在一起，让你永远想不到下一刻会出现什么。那些毫无逻辑的场景切换与怪异反常的各种事物，都加深了影片的梦境感。

听觉上，影片几乎从不间断地播放着背景音乐。除了代表夏日的蝉鸣以外，还有音乐盒发出的清脆乐音、钢琴弹奏出的神秘谱曲。情节舒缓时你能听到有呻吟般的梦呓，情节紧张时你又能听到各种尖叫与哀鸣。这无疑也从另一种感官层面上加强了电影那梦境般的迷幻感。

这部电影被诟病最多的就是剧情过于简单以及少女们的行为不合逻辑，然而当把这部电影看成一场梦后，我觉得这恰恰成了《鬼怪屋》的亮点。试想，有谁的梦境不是这样毫无逻辑的呢？又有谁的梦境充满了思维缜密的复杂剧情呢？

导演大林宣彦无疑是个达达主义者，他与一切传统艺术美学针锋相对。他崇拜黑泽明和小津安二郎，但他说，电影怎么拍能让黑泽明和小津安二郎看了特别生气，他就怎么去拍，一切都要跟这两位大导演反着来。所以《鬼怪屋》虽然表现手法超前另类，但艺术层面上却是符合时代精神的。在那个反理性，反艺术的思潮盛行的年代，这样的作品无疑是迎合时代需求的。

Cult片受众注定是少数派，接受它需要较丰富的艺术知识和“独特”的艺术审美。所以《鬼怪屋》注定只能成为一小撮人的挚爱，而大部分人难以接受甚至厌恶。但这一场波云诡谲、光怪陆离的梦境无疑是值得五颗星的。

我们去评价一部作品之前，首先应该结合作品的年代与作者的思想带来的影响，鬼怪屋正是这样的一部作品。短评里有位评论者说这部电影说搞笑不够搞笑说恐怖不够恐怖说实验不够实验，其实这部电影正是这样的定位，作者想表达什么就表达什么，欢欣的情感就加滤镜，角色取什么没名字就是什么样的性格，恐怖就来个jump scary，再不就手绘点鬼图弄上来，正是这种随心所欲的表达手法使鬼怪屋成为了cult片史上不可或缺的一部分。在日本的80年代，这种与传统剑戟片不同的，直白的，甚至有些愚蠢的影片，正是当时勇敢尝试的新思想。

本文由一万帧电影公众号(tens-frames)原创首发。

今天介绍一部很冷门的日本电影，豆瓣只有3628人给出评分，且被评为好于90%的恐怖片。这部电影是1977年上映的《鬼怪屋》。

海报很可爱，是一只狰狞的猫。虽然露着獠牙，但不觉得恐怖，只是有些邪恶，像动画片里反派的宠物。这就是整个片子的调性，虽由真人出演，画风却是动画电影般的奇幻和荒诞。不过要是你认为它温馨又甜蜜那就大错特错了！它杂糅了血腥暴力和cult（还有美少女露点我会说？）等元素，简直就是披着彩虹糖外衣的怪味胡豆。

鬼怪屋

ハウス

影片讲了五名少女们来乡下欢度暑假，最后却在古怪小屋里离奇死亡的怪事。是的就是这么残酷，但被导演拍成了爱丽丝梦游仙境。故事始于一个叫欧夏莲的姑娘，她发现自己独身了8年的爸爸居然找了新女友，于是拒绝和父亲前往轻井泽旅游，而是和六名同学前往乡下拜访她多年未见的姨妈。

几名少女都是单纯活泼的中学生。麦金塔是十足的吃货；叫“功夫”的女孩是空手道黑带；叫“芬达”的女孩爱幻想，有些奇怪的念头；戴眼镜沉着冷静的学霸女孩“姜片”；胆子很小呆萌可爱的甜心斯威特；欧夏莲爱打扮，大概是里面最早熟的一个；

几人对姨妈的庄园很感兴趣，尤其是她屋里的一些稀奇古怪的玩意。比如老式的三角钢琴、镶嵌着四五个齿轮的竖立挂钟、一个骷髅骨架玩偶，以及随处可见的猫图腾。她们饮了茶、吃了农家饭、洗了澡，就在太阳落山，一切安静和谐的时候恐怖的事情发生了......

有人说这部电影前一个钟头都是与恐怖无关的赘余和无聊，其实不然，前一个钟头关于危险的伏笔和线索都隐藏在不起眼的谈话和情节中。

比如当少女们在乡下原野漫步时，芬达开玩笑说：“这里的风景像是另一个世界的，感觉随时都有可能出现鬼魂”，几个同伴嘲笑她胡思乱想，但后来发生的事证明芬达的直觉是对的；再有，少女们朝村口卖西瓜的人问路时，卖瓜男诡异地嘟囔：“高兴不了多久了”，故事结束时他果真化身为一堆白骨；姨妈也一早就露出端倪，初见姑娘们时就感慨：“你们都好可爱，看上应该去很好吃。”最后果真是个吃人的老太太。

还有一处伏笔，是关于欧夏莲的猫的。日本传说中，老猫会自己开门，但只有猫妖会把开着的门关上。欧夏莲怀里一直乖巧娇弱的白猫，后来竟会自己关门，并大叫着目射绿光，同时墙上的猫图腾也会口吐鲜血。这些预兆初露端倪时主人公不以为意，直到小屋开启疯狂模式时才幡然醒悟，此刻画面中的巨大红唇揭晓了答案：原来欧夏莲的姨妈早已去世，一切都是她幻化出来的......这不是妥妥的白骨精设定吗？

顿时想起幼年读过的劣质鬼故事，结尾通常会告诉你“刚才看到的人和环境都是假的”。为了使片子不那么脑残，导演结尾给了一个独白，大概意思是：姨妈直到去世还念念不忘未婚夫，所以死后的灵魂也驻扎在这里，当有年轻未婚女孩来探望她时，如果她吃了她们，就可以恢复真身穿上婚纱了。我丝毫不觉得感人至深，只是觉得瘆人，跟西游记里的妖怪没有两样。这个歌颂爱情的主题升华还不如不做，既然只是想吓吓观众，就不要瞎扯情怀拉逼格了。

当然了，本片的亮点根本不在故事，而是猎奇的画风。片子大部分是70年代怀旧气息浓厚的夕阳色调，女演员们的脸都像铺了玫瑰色的腮红，发型和着装又傻又朴实（除了女主），叽叽喳喳吵个没完，唠叨着小女生都爱聊的话题。姨妈的大部分镜头都是圣光笼罩，慈祥又和蔼，让人完全联想不到邪恶。导演为了表达不真实感，很多镜头干脆就是动画，蓝天草地和汽车让人想到童年。

当鬼怪屋中的道具陆续苏醒时，电影色调开始变得丰富，镜头节奏也终于加快，还有时不时的鬼畜（第一次觉得鬼畜除了搞笑还能让人紧张）。重口味cult镜头镶嵌在眼花缭乱的背景里，规整排列的图案居然还很好看。胳膊和腿在空中旋转跳跃不停歇、断指弹钢琴等镜头也有点蒸汽波的意味。少女们的死法也是千奇百怪，有离奇失踪的、有溺死的、有被摆钟绞死的、有被钢琴吃了等等......

bgm则让人频频出戏。再恐怖的镜头搭配的也是悠扬深情的民谣和舒缓动听的钢琴曲，偶尔来几个不和谐的音符，这种与剧情情绪反差的效果应该是导演有意为之，就像《辛格勒名单》里杀戮犹太人的同时配的却是古典乐。

Emmm，虽说视听上的创意很优秀，但40多年前的特效拿到今天看也有可笑之处。抠像效果其实不甚理想，妥妥的5毛特效质感，不过这的确是一部画风脑洞都清奇的恐怖片，想练胆子的可以放心食用。

大林宣彦_鬼怪屋_1977

7.9

大林宣彦导演一个月前过世时朋友们纷纷点烛，我不太熟悉他的作品。本片是我所看第一部，方方面面都太对胃口，以致完全让我提起来对他其余电影的兴趣。

此前商业上大获成功的经典电影是1975年史蒂文斯皮尔伯格导演的《大白鲨》，它把特定惊悚套路赠予后世的同时还代表了某种成熟的形式体系，比如它长期以来令人称道的深焦摄影和剪辑意识。“鬼怪屋”式剧作因《救猫咪》而声名大噪，简单的剧作装置是密闭空间加一个杀人者，此后情节尽靠主角们的求生欲推动，无论侏罗纪公园、大白鲨、异形这些都差不多如此。

故事套路上有所借鉴的本片形式上则走了相反方向，视听剪辑调度表演无一不生硬，许多不合电影语法之处却成就了那套极为怪异的美学系统。部分观众称本片的画面剪接为五毛特效，但在我看来那更符合元电影概念，它怪异迷乱的后半部分像是在与早期乔治梅里埃导演所运用的特技摄影进行一场隔空互动。

梅里埃的作品通常荒诞不经又令人捧腹，极高的影史地位源于他将叠化、倒放、蒙太奇、升降格、分次曝光、滑轨特写、平面走位配以假布景和烟火效果来制造最初的银幕魔术。骷髅、幽灵和恶魔这些惊悚形象反复作为梅里埃梦境的子题出现，而《鬼怪屋》中你也可以看到类似《橡皮头》《地狱步态舞》这些杰作的踪影。

手绘出的背景板帮助本片呈现了一种纵深不足的舞台剧效果，再加上令人出戏的鬼畜、浮躁喧哗的台词、大煞风景的音乐，这些元素都让人感到这场闹剧格外滑稽。不同之处在于大白鲨打算靠逼真感对观众作出直接恐吓，鬼怪屋靠的则是失真感，对观众进行间接恐吓，它越过物质现实复原的步骤而直达精神真实的结果。

从姨母到七位学生，女性主体讨论渗透其中，Oshare、Mac、Fanta、Kungfu、Gari、Sweet、Melody这些作为称呼的形容词作为女性标签各自体现了她们的自我物化，而姨母的鬼怪屋化身更揭露了此社会下女性对女性的真实伤害。相较于大白鲨和异形这类未知活体，本片另辟蹊径地描画出了日常物品的恐怖，通过女性对物的凝视所塑造的先验主义效果直击内心。

等待着丈夫归来的姨母死于这座鬼怪屋，其精神附着于建筑和日用品这些无生命的东西。女学生到来之前那段观看默片的情节将痛苦源头指向了侵略战争，但影片所示内容大概不止于此。被美貌标签化者死于镜子，被贪食标签化者死于西瓜，被浪漫标签化者死于钢琴，这些恐怖情节发生之时我们甚至无法清晰地判断究竟是姨母作为女性他者的邪恶对她们施以谋杀，还是自我客体化意念使她们自杀。

“莱昂内说他喜欢我的音乐胜过莫里康内”，作为本片配乐监督的Godiego乐队和小林亚星之前只为广告片担任过作曲。印象深刻的是那首名叫“Cherries Were Made For Eating”的口水歌，我被其百货店质感成功洗脑，循环数日，有回到那个远去年代的感觉。一九七七年，主要拍摄电视广告的大林宣彦导演年龄尚不到四十。